Por Alexei Barros

Não, eu não ia passar batido, claro: no sábado passado, dia 11 de maio, foi apresentado na Alemanha o Final Symphony, o novo concerto com a mesma turma da série Symphonic e que tanto já mencionei aqui: Thomas Boecker, Jonne Valtonen, Roger Wanamo, Benyamin Nuss etc.

Desta vez, porém, a apresentação não teve a performance da WDR Radio Orchestra, que tocou diferentes programas de games de 2008 a 2012. A simples presença dessa orquestra garantia que o concerto sempre fosse transmitido ao vivo – o que até então era um ineditismo – não só pelo rádio, como em algumas ocasiões em vídeo também. Neste ano, o espetáculo foi executado pela Sinfonieorchester Wuppertal, curiosamente sem a companhia de nenhum coral como nas outras oportunidades.

Com isso, o privilégio de ouvir as músicas em interpretações sinfônicas ficou restrito aos espectadores da apresentação, privilégio que coube ao Luiz “Radical Dreamer” Macedo, frequente comentarista aqui no blog (os posts é que não são tão mais frequentes). O Luiz já havia assistido in loco, em Colônia, ao Symphonic Odysseys em 2011 e, se vocês se lembrarem bem, ainda descolou autógrafos do Nobuo Uematsu em três CDs. Agora, aproveitando o intercâmbio na França, ele repetiu a dose e esteve presente no concerto na cidade de Wuppertal, no que acredito ter sido uma experiência ímpar, porque sei da admiração dele pelo Masashi Hamauzu. A novidade é que o Luiz escreveu um report da experiência para compartilhar no Hadouken!

Para não deixar os leitores apenas na vontade, eu disponibilizo logo aqui no começo o set list completo do Final Symphony, com links para uma gravação amadora compartilhada pela internet de ótima qualidade que permite ter uma bela noção do que foi o espetáculo. Como faço com os meus reports à distância, também linkei as músicas originais que o Luiz mencionou ao longo da análise.

Ato I

01 – “Fantasy Overture: Circle Within a Circle Within a Circle”
02 – “Final Fantasy VI Symphonic Poem (Born with the Gift of Magic)”
03A  – “Final Fantasy X Piano Concerto: I. Zanarkand”
03B – “Final Fantasy X Piano Concerto: II. Inori”
03C – “Final Fantasy X Piano Concerto: III. III. Kessen”

Ato II

04A – “Final Fantasy VII: Symphony in Three Movements: I. Nibelheim Incident”
04B – “Final Fantasy VII: Symphony in Three Movements: II. Words Drowned by Fireworks”
04C – “Final Fantasy VII: Symphony in Three Movements: III. The Planet’s Crisis”
05 – “Encore I: Final Fantasy VII”
06 – “Encore II: Final Fantasy VI”

Por Luiz Macedo

A série Final Fantasy não é estranha a concertos de game music. Desde os Orchestral Game Music Concerts no Japão, os primeiros do gênero, a franquia já se mostrava presente com arranjos da quarta geração dos games. Symphonic Suite Final Fantasy marcou o primeiro concerto dedicado oficialmente a Final Fantasy, e outros ocorreram no Japão e Estados Unidos. Não só isso, mas a série Distant Worlds viaja o mundo tocando arranjos de diversos dos jogos, desde o primeiro até o mais recente, Final Fantasy XIV.

Com tamanha qualidade musical, não demorou para o produtor e fã de game music Thomas Boecker incluir a franquia em seus bem-sucedidos concertos na Alemanha, os primeiros do gênero fora do Japão. Diferentes temas da série estiveram presentes nos Symphonic Game Music Concerts, e uma suíte dedicada a Final Fantasy marcou presença no icônico Symphonic Fantasies. Em Symphonic Odysseys, tributo ao compositor Nobuo Uematsu, novos arranjos foram idealizados, os quais incluíam um concerto para piano. Agora, no décimo aniversário da série de concertos de games idealizada por Thomas Boecker, uma nova produção focada exclusivamente na música de Final Fantasy foi elaborada.

Final Symphony surge então com o intuito de melhor explorar o vasto legado musical deixado por mestres como Nobuo Uematu e Masashi Hamauzu. A ideia não só é lógica em decorrência da riqueza das composições da série, mas também pelos contatos que Boecker manteve ao longo de todos seus anos de experiência. Uematsu foi o primeiro a expressar o desejo de ouvir um concerto dedicado a Final Fantasy que incorporasse o estilo único presente em Symphonic Fantasies. Quando Boecker apresentou o conceito de Final Symphony a Uematsu, o compositor foi rápido em mostrar sua aprovação, e a companhia Square Enix também se mostrou interessada pelo projeto.

Como em produções anteriores de Thomas Boecker, o programa do concerto não se pautou por obviedades. O objetivo do time é contar a história dos games através da música e aproveitar temas nunca arranjados até então, e para tanto o número de jogos foi limitado a três: os episódios VI, VII e X da franquia. Os formatos são oriundos da música clássica: Final Fantasy VI se torna um poema sinfônico, Final Fantasy X é transformado por Hamauzu em um concerto para piano e Final Fantasy VII é recontado a partir de uma sinfonia em três movimentos.

A estreia mundial do concerto ocorreu em Wuppertal, Alemanha, no dia 11 de maio de 2013, com duas apresentações, às 14:30 e 19:30 locais. O histórico Stadthalle Wuppertal sediou o evento, com Eckehard Stier conduzindo a Orquestra Sinfônica de Wuppertal. Nobuo Uematsu, que também foi consultor do projeto, e Masashi Hamauzu, arranjador da peça dedicada a Final Fantasy X, estavam presentes em sessões de autógrafos antecedendo as apresentações. Os arranjadores Jonne Valtonen e Roger Wanamo também marcaram presença. Por fim, Benyamin Nuss retornou como o pianista principal após sua participação em produções anteriores, com destaque para a suíte de Kingdom Hearts em Symphonic Fantasies e o concerto para piano em Symphonic Odysseys.

A fila para conseguir um autógrafo dos compositores estava tipicamente longa. Mesmo com uma hora e meia para cada sessão, muitos não conseguiram chegar ao local onde se encontravam Uematsu e Hamauzu. No dia estavam à venda CDs de Symphonic Fantasies em Tóquio e pôsteres dedicados ao concerto, mas muitos levavam suas trilhas sonoras, jogos e até mesmo consoles para serem assinados pelos seus ícones. Terminadas as sessões, todos se dirigiram à sala principal para experienciar a música através dos novos e ambiciosos arranjos.

Eckehard Stier subiu ao palco para reger a performance da “Fantasy Overture”, composição inédita de Jonne Valtonen para abrir o concerto. Como em Symphonic Fantasies e Symphonic Legends, Valtonen escreve uma peça apropriada para o conteúdo que virá posteriormente. Explorando diversas seções da orquestra para manifestar a ideia temática principal, a peça mantém a pompa com a explosão nos metais e as cores com o desenvolvimento nas cordas. Não deixa de lembrar em momentos John Williams, compositor de cinema pelo qual Valtonen já mostrou admiração. Uma bela composição para um cenário fantástico.

O poema sinfônico escrito por Roger Wanamo baseado no jogo Final Fantasy VI tem como foco a jornada da protagonista Terra Branford, em sua busca para descobrir mais sobre si mesma após ser escrava do Império e em sua luta contra o vilão psicótico Kefka Palazzo. O arranjo mostra desde o início que será uma grande e emocionante jornada musical por aquela que é considerada por muitos como a melhor trilha de um jogo já composta.

Começando da mesma maneira que a “Overture” da lendária “Opera Maria and Draco”, o poema nos lembra a marcante história que estamos prestes a reviver. Passamos ao tema “The Empire “Gestahl”" retratando a opressão do Império enquanto o tema da protagonista, “Terra’s Theme”, é referenciado em partes. Em meio a essa opressão, o tema se completa pela primeira vez de maneira melancólica e pungente, um dos momentos mais emocionantes do arranjo. “Kefka” então aparece para mostrar sua relação com o Império. O tema, a princípio humorístico com sua melodia circense, torna-se cada vez mais caótico e violento, perfeitamente representando a personalidade maliciosa e perversa do antagonista. O poema continua com Terra em busca de seu passado, ao apresentar “Another World of Beasts”, e a melodia misteriosa soa excelente com a orquestra. No entanto, o retorno de “Kefka” e o crescendo poderoso mostram que o inevitável conflito chegou, o qual é retratado com “Battle Theme” e “Save Them!”. Ambas, nunca orquestradas anteriormente, soam semelhantes às originais, mas Wanamo introduz novos detalhes e referências aos temas do vilão, de forma que a sequência de ação se mantém empolgante, com especial menção à percussão furiosa. Terminada a batalha e dissipada a fumaça, “Terra’s Theme” se destaca vitoriosa, e o tema retorna para a sua interpretação mais grandiosa e triunfante no arranjo. A protagonista chega a um acordo com seu passado e pode viver em liberdade. A “Overture” da “Opera Maria e Draco” termina com graça a jornada contada em Final Fantasy VI e magistralmente recontada por Roger Wanamo.

O próximo arranjo é  dedicado a Final Fantasy X, e dessa vez o próprio compositor foi o responsável pela sua elaboração. Masashi Hamauzu arranjou composições suas e de Uematsu para o concerto para piano, enquanto Roger Wanamo foi responsável pela orquestração. A respeito dele, Hamauzu teve a dizer: “Ele é um dos melhores orquestradores da Europa”.

Como fã de longa data de Hamauzu, aguardava ansiosamente o arranjo, já que um concerto para piano parece o formato ideal para o compositor, considerando sua paixão pelo piano e os resultados formidáveis que podemos ouvir quando Hamauzu o utiliza em suas peças. Ele aqui teve a intenção de expandir ideias que não conseguiu transmitir quando trabalhava em Final Fantasy X.

Imediatamente percebemos que a peça só poderia ter sido escrita por Hamauzu. O piano impressionista que lidera a peça e o violoncelo que marca presença no começo são elementos típicos de sua obra. “At Zanarkand” é desenvolvida extensamente com novos ritmos e acordes, e o resultado é extremamente belo. O arranjo pode não agradar a alguns fãs, já que não é uma versão óbvia e direta da música, mas tais interpretações nunca foram o objetivo de qualquer dos concertos de Boecker. Posteriormente, “Besaid Island” é bem adaptada para soar orgânica com a orquestra. Pode-se visualizar uma praia iluminada com a escolha dos instrumentos, com “At Zanarkand” sendo tocada em justaposição, até o fim do primeiro movimento.

O segundo movimento, “Inori”, inicia-se com “Song of Prayer”, arranjada também de forma impressionista, até que “Thunder Plains” é introduzida, com seus acordes elegantes, mantendo-se energética como a original e com a adição de detalhes sublimes no piano. “Yuna’s Decision” aparece imediatamente após, ainda que brevemente, quase que como o clímax de “Thunder Plains”. É uma aparição que causa surpresa, pois a original foi arranjada por Junya Nakano, o terceiro compositor de Final Fantasy X, ainda que a partir de uma composição de Uematsu. “Song of Prayer” retorna, contemplativa e hipnótica como só Hamauzu sabe criar. O arranjo preenche a sala de uma forma simplesmente mágica. Ela cresce, acalmando-se novamente e terminando o movimento.

Já o terceiro movimento, “Kessen”, distingue-se dos outros dois por focar-se em temas de batalha. Após a breve introdução com o tema presente em “Ending Theme” e um apenas um pouco mais de “Yuna’s Decision”, “Assault” nos toma de surpresa, e aqui Benyamin Nuss mostra toda sua habilidade. O arranjo é empolgante com suas passagens virtuosísticas, enquanto a orquestra toca o tema de forma bem semelhante ao original. Em meio à ação, ocorre uma transição natural para “Decisive Battle”, na qual o virtuosismo prepondera e o arranjo mantém o alto nível de empolgação. Após a execução de ambas as peças, o arranjo retoma “At Zanarkand” e fecha num crescendo.

Se há uma crítica a ser feita, é quanto ao desenvolvimento das peças escolhidas, ou melhor, como ele poderia ter sido maior e mais integrado com o resto em alguma delas. Gostaria que Hamauzu tivesse desenvolvido mais os seus temas, em especial os de batalha. Igualmente, a aparição de “Yuna’s Decision” durante “Thunder Plains” poderia ter sido mais bem aproveitada, como poderiam também as identidades musicais que aparecem no terceiro movimento para simbolizar Zanarkand e o fim do jogo. A sensação que fica é que as peças originais são utilizadas, mas sem criar exatamente uma relação maior com o que está sendo tocado. No geral, o arranjo, ainda que excelente e mantendo o espírito das peças originais (e explorando fantasticamente “At Zanarkand”), poderia ter criado um arco emocional mais satisfatório enquanto concerto para piano.

Após a pausa, o momento em que grande parte das audiências mais esperava, como se pode inferir da reação da plateia à simples menção de Final Fantasy VII. Jonne Valtonen ficou encarregado de contar a história do jogo através de sua música, e para tanto o formato de sinfonia foi adotado. Os três movimentos somados são mais longos que os cinco do poema sinfônico da série The Legend of Zelda, também por Valtonen, estreado no concerto Symphonic Legends. Isso torna a sinfonia de Final Fantasy VII o mais longo arranjo da série de concerto de games na Alemanha, e consequentemente a mais longa peça orquestral com música de jogos. Mais uma vez, a produção de Boecker bate recordes e entra para a história.

O primeiro movimento, intitulado “Nibelheim Incident”, tem como foco o antagonista Sephiroth, e reflete o seu tumulto interior na vila de Nibelheim. A sinfonia começa com “Those Chosen by the Planet”, na qual o tema secundário de três notas do vilão é introduzido. Tal início mostra o tom sombrio do jogo e da sinfonia, e de fato esse tom dominará o arranjo. “Opening” aparece nos metais em meio a esse cenário conturbado. Em seguida, “Who am I?” denota a confusão e desespero do vilão ao descobrir sua origem na vila. O tema de três notas é retomado e expandido de forma macabra, sendo que as cordas produzem sons reminiscentes da trilha de Psicose num ritmo familiar, e isso só pode querer dizer uma coisa: “One-Winged Angel” está perto. Porém, “J-E-N-O-V-A” aparece antes, e em versão mais sombria do que qualquer outra já feita, com o tema carregado pelas cordas. O som se torna progressivamente caótico, e, após os efeitos criados pelo clarinete e piano, “One-Winged Angel” aparece em sua integridade. Duas coisas podem parecer imediatamente surpreendentes: a primeira é a posição da peça já no final do primeiro movimento, e a segunda, a ausência do coro, elemento que define a peça e pelo qual o tema é tão relembrado por quem quer que o ouça. A primeira faz sentido considerando a lógica da sinfonia, pois “One-Winged Angel” representa o fim do tumulto de Sephiroth e a sua loucura. Quanto à segunda, as habilidades de Valtonen como compositor fazem com que a falta do coro não seja um problema. O tema cantado pelo coro é alternadamente tocado em diferentes seções da orquestra. As três notas do “Sephiroth” cantado pelo coro são tocadas por toda a orquestra, criando enorme impacto onde todos sabem estar o nome do vilão. Além disso, o tema secundário de Sephiroth é incorporado no final, tornando tudo ainda mais sombrio. Valtonen usa a percussão de maneira muito eficiente ao longo do arranjo, de forma que o tema se mantém ameaçador e intimidante durante toda a sua execução. Mesmo sem o coro, o arranjo consegue ser mais interessante que o de Shiro Hamaguchi, por ser mais detalhado e apresentar maior variação durante o seu desenvolvimento.

“Words Drowned by Fireworks” é dedicado ao lado romântico de Final Fantasy VII, e explora os temas de amor e perda. “Interrupted by Fireworks”, como não poderia deixar de ser, abre o movimento, e Valtonen desenvolve bem o tema para explorar sua melodia romântica. No entanto, o som atonal súbito mostra que o encontro entre Cloud e Aerith é apenas um breve momento de pausa no contexto sombrio do jogo. Passamos então ao “FFVII Main Theme” em toda a sua glória, e a partir desse momento o foco será as duas protagonistas, Tifa e Aerith. “Tifa’s Theme” é a primeira a ganhar o espaço e ver seu tema desenvolvido integralmente. O resultado é fantástico, e é também a primeira vez que a peça é orquestrada. Chega a vez de “Aerith’s Theme”, e Valtonen aproveita para explorar o tema, inclusive uma vez no glockespiel. O tema se repete, mas apresentando dissonâncias, para representar o futuro cruel que aguarda a protagonista. De repente, o ritmo de “One-Winged Angel” entra furiosamente, e nós sabemos o que isso significa. “Aerith’s Theme” retorna, mas com muitas incertezas, e a inocência do tema é contrastada com o tema secundário de Sephiroth, o qual fica cada vez mais alto. “Aerith’s Theme” entra numa dança desesperada, e as cordas, produzindo sons completamente distorcidos, denotam puro horror. Um estrondo leva ao silêncio completo na sala. Simplesmente incrível o que todo esse segmento transmite para quem conhece a história do jogo. Finalmente, as cordas produzem sons fracos e frágeis, como de uma vida que se esvai.

O último movimento, “The Planet’s Crisis”, começa com a curta mas impactante “The Countdown Begins”, e aqui o tema comum é a luta do bem contra o mal. Para a surpresa e o agrado geral, ouvimos as primeiras notas de “Cid’s Theme”. Mas “The Great Warrior” aparece em sua totalidade antes, expondo o tema de Red XIII. O arranjo da melodia tocante começa com oboé, e é expandido nas cordas e nos metais, conferindo um tom heroico ao personagem. “Cid’s Theme” é ouvido logo em seguida, finalmente marcando sua estreia em um arranjo orquestral, e Valtonen permite que o tema se desenvolva expondo sua melodia sublime. Tal começo é um dos pontos altos do concerto, e é uma pena que esse segmento dedicado às identidades musicais dos dois personagens seja tão curto. Mas o fim está próximo, e o conflito é representado por “Jenova Absolute”. Os temas dos personagens são retomados brevemente, para mostrar sua união contra o mal comum. “World Crisis” expressa o confronto final, e as identidades de Sephiroth se manifestam uma última vez, anunciando a sua derrota. A sinfonia termina grandiosamente baseada em “World Crisis”, num tom de triunfo e cura com a destruição do meteoro. O “FFVII Main Theme” pode ser ouvido durante esse momento de vitória, e posteriormente, pondo fim à jornada musical absolutamente espetacular criada por Jonne Valtonen.

Esse não era o fim do evento, porém. Como nos concertos passados da série alemã, os fãs foram ainda presenteados com dois encores. Dessa forma, o concerto se aproxima mais de Symphonic Odysseys, em que dois encores foram tocados, mas que eram mais tradicionais em sua estrutura. A noite era realmente de Final Fantasy VII, para o delírio de muitos dos fãs presentes, e o primeiro encore apresentou “Continue” e “Anxious Heart”, ambos do jogo, e o famoso prelúdio representando a série. O segundo lembrou o momento “One-Winged Angel” e “Chocobo” da suíte Final Fantasy no Symphonic Fantasies, porque aqui ocorre a mesma coisa, só que com “The Fierce Battle” e “Mog”, de Final Fantasy VI (a melodia da última é baseada na “Moogles’ Theme”, de Final Fantasy V). A primeira, agressiva e intimidante, foi subitamente interrompida pelo tema dos Moogles, que se desenvolveu com o charme habitual. Os encores foram mais diretos nas interpretações, mas não menos satisfatórios, com destaque para “Anxious Heart” e “Mog”.

A performance da Orquestra Sinfônica de Wuppertal, sob a regência de Eckehard Stier, deu vida aos arranjos de forma extraordinária, e a acústica excelente do Stadthalle permitiu que a música repercutisse na sala com todo o drama e a emoção desejados. Não é preciso dizer que a reação da plateia foi incrivelmente entusiástica. A salva de aplausos que seguia cada item do programa mostrava a paixão e o entusiasmo dos que estavam presentes. A plateia mostrava sua euforia quando os compositores e arranjadores entravam na sala no começo de cada ato, e também quando os compositores eram associados a suas respectivas peças pelo apresentador Winfried Fechner. Muitos, inclusive quem escreve, aplaudiam de pé.

Só deixo uma crítica nesse aspecto, relativa ao tempo dedicado aos discursos do apresentador. No total, creio que aproximadamente 30 minutos foram dedicados à sua fala apenas, e, enquanto tal situação possa parecer pior para quem não fala alemão, acredito que os discursos não tinham duração proporcional às peças (antes do concerto para piano, o discurso durou mais de 10 minutos, e a peça em si tem 20). Mas agradeço a menção ao Brasil na lista de países presentes no evento (isso ao menos entendi)!

No final, ficou muito claro que Final Symphony é um sucesso absoluto. Boecker e seu time retomam elementos de concertos passados para expandi-los e refiná-los, e o resultado são arranjos do mais alto nível, que podem e devem ser apreciados tanto por quem conhece as composições originais como por quem tem interesse em música orquestral. A união das fantásticas composições originais com o talento e a ambição dos arranjadores produz mais uma vez um concerto que se destaca em relação aos demais do gênero, e que desde já deixa uma marca muita clara na história dos concertos de música de jogos.

Há ainda muito no futuro de Final Symphony. A produção passará por outros lugares ao redor do mundo. Com data já marcada, o concerto ocorrerá no dia 30 de maio no Barbican Hall, em Londres, com a prestigiosa London Symphony Orchestra. É a primeira vez que a orquestra tocará músicas de games ao vivo, o que marca mais um momento histórico para as produções de Boecker, Final Fantasy e música de games em geral. Uma gravação em CD é uma possibilidade para o ano que vem, segundo Boecker. Com isso, ficamos na esperança de que esse evento histórico seja gravado para que a sinfonia final se repita ainda muitas e muitas vezes.

Crédito das quarta, sétima e última fotos:  Luiz Macedo

Crédito das demais fotos:

© intuitive fotografie köln // Philippe Ramakers

Mais uma vez agradeço ao Luiz pelo report extenso, detalhado e sensacional do espetáculo, assim como pelas belas imagens fotografadas.

Por Claudio Prandoni

Quero aqui falar de jogos sociais, mas não aqueles que a grande mídia por assim já convenciona chamar.

Os games presentes em redes online como o Facebook e outros que seguem os modelos vistos no serviço ainda seguem firmes e fortes, mas já passaram pelo inchaço e estouro de uma bolha de valores tão inflados quanto a rapidez com que encheu e murchou.

Porém, sinceramente, acho que o padrão estabelecido por jogos à la Farmville e demais, que incentivam – isso quando não exigem – chamar amigos para prolongar sua jogatina, se apropria de forma muito rasa do termo “jogo social”.

Prefiro aqui me ater a uma definição mais bruta do termo: games sociais são aqueles em que o combustível da brincadeira é a interação social. Veja bem, um combustível, algo que faz a roda girar e mantém o game rolando, mas não exatamente uma barreira na qual você bate.

Acho que não faço muito preciso, mas creio que o fluxo de jogo pode ajudar a entender melhor o que quero dizer: a interação social deve acontecer de forma natural, sem gerar ruído no espaço onde acontece e, assim, incentivando o jogo. Forçar você a atazanar amigos, inclusive gerando um ruído muitas vezes indesejado no mural do Facebook, por exemplo, é algo muito mais chato e invasivo.

Talvez eu pudesse me estender mais aqui, mas acho que já enrolei demais: nos últimos dois anos, meu jogo social preferido é a Praça Mii, aquele risonho software que já vem embutido em cada Nintendo 3DS.

Desde que comprei o videogame, peguei o hábito de levá-lo comigo para o trabalho, viagens, coberturas de eventos e afins, justamente pra ver ‘qualé’ a do Streetpass, a função que faz um 3DS interagir com o outro só de chegarem perto.

Claro, conto com os benefícios de morar em uma grande cidade e também trabalhar com games, o que ajuda a encontrar outros donos de 3DS e manter fila de Miis andando na praça virtual.

Ainda assim, em meio à simplicidade e ingenuidade dos joguinhos Troca-Puzzle e Mii Resgate, me peguei aficionado por eles, mesmo dois anos depois de vida do pequeno console.

Diligente, todo dia dou uma olhada para ver se a luzinha verde do 3DS brilha ao chegar no trabalho ou voltar para casa no fim do dia. Pego minhas pecinhas de quebra-cabeça, enfrento uns monstros e é isso aí, dois minutos depois está tudo feito e pronto para uma nova rodada.

Claro, não vou chegar aqui e dizer que “po, esse é o modelo perfeito de jogo social, galere”! É um jogo já na memória do aparelho, que parece mais interessado em fazer o usuário ter motivos para usar seu 3DS – e aí, quem sabe, comprar um jogo e gastar seu rico dinheirinho – do que ele mesmo ser monetizado e dar lucro.

A Nintendo não vende chapéus e peças de puzzle por dinheiro de verdade. No máximo, você pode usar moedas de jogo para acelerar essas paradas, mas mesmo essa moeda de certa maneira incentiva você a encontrar outras pessoas, já que é obtida ao andar com o 3DS fechado.

Acho bem curioso que nenhuma outra empresa tenha feito algo parecido em seus jogos. Um game de RPG com elementos de Harvest Moon (ih, ó eu aí falando de fazendinha e jogo social!) ou construção de cidade e tal parecem perfeitos para o tipo de atenção constante que a Praça Mii consegue gerar.

Não tenho também a menor ideia de como funciona a tecnologia de Streetpass, mas acho que seria incrível ver algo do tipo sendo usado também em games para plataformas mobile, como iOS e Android – afinal, aqui no Brasil é muito mais provável encontrar pessoas com telefones celulares e tablets com esses sistemas operacionais do que com um 3DS, não é?

Espero que a própria Nintendo esteja trabalhando em alguma novidade nesse sentido. O fluxo constante de novos quadros de quebra-cabeça mostram que a produtora não esqueceu de seus joguinhos sociais, mas um título um pouquinho mais robusto – como tão bem foi o Mii Resgate II quando saiu – não fariam mal para ninguém.

Por Claudio Prandoni

Não venho aqui fazer uma análise do BioShock Infinite. Ainda assim, devo dizer que achei o jogo genial em várias camadas.

Seja como game de tiro, crítica social ou filosofia metafísica, o jogo se comporta com desenvoltura ímpar. Ah, e vale o mesmo para os gráficos, tópico principal deste post.

Há mais de um ano investi em um computador turbinado, que me possibilita ainda hoje rodar os principais lançamentos em suas configurações máximas – rolou com o recente Tomb Raider e, craro, com Infinite.

Jogando no Steam, com o modo Big Picture ativado, pra deixar a interface mais ~amigável~, acabei pegando gosto por tirar screenshots do jogo.

Tanto que acabei registrando vários momentos de meu passeio por Columbia – dezenas e dezenas, na real. Perceba que quase não há nada de batalhas, pois não sou lá muito expert em FPS e aí o foco era total nos embates.

Detalhe também que de início meu olhar é atraído principalmente para construções notáveis e monumentos de Columbia, mas logo que a encantadora Elizabeth e seu belo par de… olhos azuis entra em cena o monópolio foi quase que exclusivo da guria.

ATENÇÃO: como é de se esperar, a galeria possui gazilhões de SPOILERS para quem ainda não jogou BioShock Infinite, então prossiga com consciência e sabedoria.

Modéstia à parte, algumas fotinhos ficaram bonitas o bastante para usar de wallpaper por aí.

Clique no pulo interdimensional e fique à vontade para apreciar e comentar.

Por Alexei Barros

Há uns 10 anos, ter uma trilha orquestrada em um jogo para consoles de mesa não era comum. Em 2006, eu me lembro do quão surpreendente foi o ouvir o tema de abertura orquestrado do remake do Final Fantasy III para Nintendo DS. Hoje já é algo tão convencional que jogos portáteis apresentam não só uma música, mas a trilha inteira gravada por instrumentistas de verdade.

Um bom exemplo desses novos tempos é o RPG de ação Soul Sacrifice, uma nova empreitada de Keiji Inafune fora dos domínios da Capcom para o PS Vita. Já saiu no Japão, aqui chega dia 30 de abril. O álbum com as músicas Soul Sacrifice Original Soundtrack aterrissa dia 13 de março, vulgo amanhã, e é justamente esse o motivo do post.

Assinada por uma inusitada dobradinha de Wataru Hokoyama (Afrika, Resident Evil 5) e Yasunori Mitsuda (Chrono, Xenogears etc.), a trilha foi gravada no Skywalker Sound nos EUA e, ao que tudo indica, a Skywalker Symphony Orchestra, formada por músicos freelancers de São Francisco, realizou a performance. Não dou certeza porque foram feitos três vídeos para promover só essa parte de áudio do jogo, mas nenhum deles confirma mesmo que foi essa a orquestra utilizada – não é só a Skywalker Symphony que grava no Skywalker Sound. Ambos os compositores já lidaram com orquestras desse naipe (Hollywood Studio Symphony no caso do Afrika e RE5 e London Philharmonic Orchestra no XenoSaga) e dessas proporções – segundo a Famitsu, foram mais de 100 instrumentistas.

Enquanto o primeiro vídeo dá um panorama geral, o segundo mostra uma impactante composição do Hokoyama e o terceiro uma música do Mitsuda – com guitarra e coral, mas só em áudio, em uma faixa fora dos padrões dele. O quarto, caso você não tenha visto, mostra os compositores comentando o trabalho no evento de revelação do jogo realizado em maio de 2012.

Enfim, estamos de olhos e ouvidos atentos.

The Music of Soul Sacrifice

“Beginning of the End” – Wataru Hokoyama

“Melody of the Souls – main theme” – Yasunori Mitsuda

Soul Sacrifice Presentation Summary

Por Claudio Prandoni

Daisuke “Pixel” Amaya é o tipo de cara que parece saber fazer só um tipo de game: joguinhos plataforma de visual pixelado com música chiptune amavelmente grudenta. E geralmente tiros, muitos tiros e inimigos.

Claro que estou sendo irônico ao me referir como “joguinhos” às obras do cara que fez SOZINHO o Cave Story. Ele levou cinco anos para isso? Sim, mas e daí? Fato é que é um jogaço 2D, hoje disponível em várias plataformas e versões, tipo 3DS, Wii e PC – mas ainda dá pra baixar a versão original de graça no site do Pixel aqui ó (é o primeiro ícone ao lado de 2004).

Nos últimos dias o cara revelou no festival japonês indie Bitsummit sua nova criação: Gero Blaster.

Segue a receita de bolo já citada acima, agora com um sapo como protagonista em busca de sua amada, uma gatinha (literalmente). Seguem tiroteios e algumas cenas estranhas com discos voadores, como mostra no trailer.

De qualquer maneira, já estou empolgado pelo jogo, que saiu neste ano para iOS. Porém fico mais empolgado mesmo pela possibilidade de ele chegar ao 3DS, como sugere essa foto aqui do Tyrone Rodriguez, um cara da publicadora Nicalis, que lançou Cave Story nas plataformas Nintendo, assim como Ikachan – um joguinho simpático em que você controla uma lula marinha.

Ó a fofura do Ikachan.

Por Claudio Prandoni

O bonachão americano Charles Martinet não é figurinha nova aqui pelo blog. Há mais ou menos longínquos três anos narrei por aqui a experiência de ir a uma churrascaria com o notório dublador do Super Mario (SPOILER: o cara é MUITO bom de garfo!).

Mas tem isso. Parece que ele é só o dublador do Super Mario. Ou do Luigi. Ou do Wario – e se pá só do Waluigi. Só que não.

Icônico pela atuação vocal dos personagens de boné da Nintendo, Charles se arrisca também nas dublagens de outros personagens – algo que, pelo que sei, foi surpresa até para alguns executivos figurões da Nintendo quando descobriram.

Geralmente são atuações bem diferentes da estridente voz de Mario e comparsas. Por exemplo, Martinet dublou o dragão Paarthurnax, no queridinho Skyrim (nem parece, né?).

O figura também fez vozes em Ratchet & Clank: A Crack in Time e um outro RPG mais, como Skies of Arcadia e Ressonance of Fate.

Infelizmente, nenhum deles muito lá eminente ou digno de nota… diferente do que acontece no recente Runner2: Future Legend of Rhythm Alien!

Ao estilo Stephen Fry, em LittleBigPlanet, Martinet faz o papel dele mesmo como narrador das corridas aventuras de Commander Video.

O bacana desse trabalho é que aí sim transparece todo o carisma e energia naturais do californiano.

As raras, mas marcantes, intervenções de Martinet brilham com simpatia, empolgação e um humor natural – traços do ator que pouco aparecem nos icônicos gritinhos e frases do Super Mario.

Abaixo dá pra conferir um cadinho do trabalho do Martinet logo na abertura do game.

Por Alexei Barros

Quem acompanhou os passos finais da Sega como fabricante de consoles na era Saturn, deve se lembrar do saudoso Segata Sanshiro, o herói-propaganda interpretado por Hiroshi Fujioka que estrelou diversos comerciais promovendo o videogame 32-bit. A Sega levou o negócio tão a sério que Segata veio a falecer em um dos comerciais, encerrando uma carreira, o mito, a lenda até que…

Em 2013, a [H.], a atual banda da Sega – não confunda com a recém-retomada Blind Spot -, vai fazer um show com o Segata Sanshiro que será transmitido via Nico Live… Mas não se anime muito, porque a transmissão é paga. Nem sequer há pistas sobre o set list, mas tudo leva a crer que será tocado o eterno hino “Sega Saturn, Shiro!”, desta vez na companhia da banda formada por Takenobu Mitsuyoshi, Hiro e outros comparsas. Com sorte, alguém poderá compartilhar depois algum trecho do show, o que, se acontecer, evidentemente avisarei neste espaço tão pouco atualizado.

Espero também que o show sirva para dar uma animada na [H.], que depois do lançamento do álbum Sega Sound Unit [H.] 1st Album, está meio parada, chegando ao cúmulo de não ter feito nenhum arranjo nas coletâneas da Sega em 2012.

[via Game Watch]

Por Alexei Barros

Já que eu me empolguei relembrando as duas visitas do Casiopea ao nosso país e é difícil falar deles sem citar o T-Square pela proximidade dos integrantes, serei obrigado a ressaltar um acontecimento que (quase) passou despercebido em 2001: a obscura passagem do T-Square pelo Brasil.

Sim, já tínhamos conhecimento que nesse ano a banda liderada por Masahiro Andoh, o compositor da “Moon Over the Castle”, o tema de Gran Turismo, lançou um álbum com o nome Brasil; sabíamos também que o CD, conforme comprovado pelo encarte, foi gravado no Mosh Studios em São Paulo (e também no Castle Oaks Studio em Los Angeles). Nessa época, o T-Square era apenas uma dupla (em sua formação inicial da fase profissional, em 1978, eram oito!), com Masahiro Andoh na guitarra/violão e Takeshi Itoh no saxofone/EWI/flauta. Músicos convidados completavam a formação da banda. Na ocasião, os instrumentistas foram brasileiros. Tudo isso eu já sabia.

Mas o que desconhecia era o fato de essa gravação ter sido noticiada pela imprensa brasileira na época. Leia a reportagem do dia 12 de fevereiro de 2001 da Folha de S. Paulo assinada por Carlos Bozzo Junior:

Japoneses do T-Square se unem a músicos brasileiros em São Paulo

O grupo de música instrumental T-Square, formado pelos japoneses Masahiro Andoh, 47, e Takeshi Itoh, 47, acaba de gravar seu 27º CD em São Paulo com músicos brasileiros.

Desconhecidos no Brasil, os músicos do grupo são muito populares no Japão, bem conhecidos nos Estados Unidos e bastante respeitados na Europa, por apresentarem, desde 76, dentro do gênero fusion, muita criatividade e energia em suas composições e performances.

O som de Andoh, guitarrista e arranjador, traz influências de George Benson, Larry Carlton e Lee Ritenour, que se misturam às do saxofonista e flautista Itoh, fã de Cannonball Adderley (1928-1975) e Herbie Mann.

“Esperávamos misturar nossa música com a dos brasileiros, mas não imaginávamos que o resultado fosse tão bom”, disse Itoh, que se surpreendeu com a dedicação e a qualidade dos músicos brasileiros escolhidos para a gravação.

Os japoneses contaram com instrumentistas arregimentados pelo produtor brasileiro, que há 22 anos mora no Japão, Osny Melo. “Procurei os nomes pela versatilidade, além, é claro, de levar em consideração o currículo de cada um”, falou Melo, que prepara mais dois projetos de CDs para os japoneses.

No CD, que está sendo gravado no Brasil, Toninho Horta foi escolhido para tocar guitarra em duas faixas. As outras oito faixas ficam a cargo de um grupo especialmente formado para este trabalho: o maestro e guitarrista Natan Marques, “Maguinho”, na bateria; Pedro Ivo, no contrabaixo elétrico; Guedes, no contrabaixo acústico; Papete, na percussão e Beto Paciello, nos teclados.

“Quando olhei para o material, com músicas de sete minutos de duração e cheias de divisões, pensei em ficar doente ou matar uma tia, mas a vontade de cada um de tocar música de qualidade, colaborou muito para que chegássemos ao fim do trabalho”, disse o baterista Maguinho, que acompanha Chitãozinho e Xororó.

Entre as poucas exigências feitas pelos japoneses, estavam uma visita ao túmulo de Ayrton Senna e o comando da mesa de som a cargo do técnico brasileiro, radicado em Los Angeles, Antonio “Mug” Canazio, homem de confiança do compositor baiano João Gilberto.

O disco deve ficar pronto neste semestre e será lançado pelo selo Village da Sony Music japonesa.

O álbum em si é bastante diferentão do restante da discografia do T-Square – tanto que, se não me falhe a memória, nenhuma das músicas desse CD foi reprisada nos shows de aniversário. A maioria delas, por razões óbvias, apresenta títulos em português, não que isso não tenha acontecido em outras ocasiões, como a “Copacabana”, do Natsu No Wakusei (1994). A primeira faixa “A Caminho De Casa”, inclusive, não é muito convencional por ser cantada (em português) – a maioria das músicas do T-Square é instrumental, e até mesmo algumas músicas originalmente cantadas, como a “It’s Magic”, são tocadas sem vocal. No geral, o álbum é bastante acústico, com uso de violão e flauta com muito mais frequência que o habitual.

Sobre o último parágrafo, tamanho respeito pela memória do Ayrton Senna não é apenas por ele ser famoso, havia uma relação. O T-Square, que ficou especialmente famoso pela música “Truth”, tema das transmissões de F-1 na TV Fuji, também é o responsável pelo tema da vitória do Senna, a “Faces”, presente no álbum Impressive (1992). Da mesma maneira, ficou a cargo do T-Square o tema da vitória do francês e rival ferrenho do Senna, Alain Prost, a “Ashita Heno Tobira”, do álbum Human (1993).

Com a morte do ídolo brasileiro em 1994, o T-Square lançou, no mesmo ano, um álbum em sua homenagem, o Solitude -Dedicated to Senna-. Não tivemos a mesma sorte com o concerto Senna Forever, que o T-Square tocou com a New Japan Philharmonic Orchestra e não foi lançado em CD, mas pelo menos o concerto completo pode ser visto no YouTube.

[via Folha de S. Paulo]

Por Alexei Barros

Se há alguns anos o mais alucinado fã da S.S.T. Band sonhasse com o retorno da banda da Sega – a primeira de game music do mundo; não aceite os genéricos –, esse aficionado seria tachado de maluco. Afinal de contas, em 2013, vão se completar 20 anos do anúncio do fim da S.S.T. Band no palco do Game Music Festival ‘93. Mas as notícias não podiam ser mais animadoras: desde 2011, a S.S.T. Band renasceu como Blind Spot, não por acaso o mesmo nome do álbum formado por músicas originais, sem relação com games lançado em 1992.

O melhor vem agora: em 27 de fevereiro será lançado o primeiro produto que marca a redenção da Blind Spot, o DVD Blind Spot Live!, que, por enquanto, está à venda na Amazon e pode ser encomendado por outros lugares do mundo. É o registro do show no Takadanobaba Club Phase realizado dia 29 de setembro de 2012.

São generosas 18 faixas, conforme listado abaixo, e peço que você escute trecho delas, uma a uma, para ler os meus comentários depois. O melhor é que, diferentemente daquele vídeo promocional do After Burner (que, por sinal, já foi retirado do ar), o som não parece embolado, e, o baixo do Masato Saitoh, que estava quase mudo, agora pode ser ouvido com mais realce.

01. Wave Motion (original)
02. I Can Survive (original)
03. Sword of Vermilion (Sword of Vermilion)
04. Earth Frame G (G-LOC: Air Battle)
05. Wilderness (Golden Axe)
06. Last Wave (Out Run)
07. Passing Breeze (Out Run)
08. Blue Moon (S.D.I.)
09. System Down (S.D.I.)
10. Theme From Super Monaco GP
11. Tachyon (original)
12. Beyond the Galaxy (Galaxy Force)
13. Thunder Blade Medley (Thunder Blade)
14. Space Harrier Main Theme (Space Harrier)
15. Outride a Crisis (Super Hang-On)
16. Like The Wind (Power Drift)
17. Magical Sound Shower (Out Run)
18. After Burner (After Burner)

Em meio às músicas da Sega, há as composições provenientes do supracitado álbum Blind Spot, como “Wave Motion”, “Tachyon” e “I Can Survive”. Com exceção da última, não havia registro de performances ao vivo dessas faixas. Todas tinham sido tocadas no GMF ’92, mas somente a “I Can Survive”… sobreviveu no CD do evento. Até tinha me esquecido o quanto eu gosto da “Wave Motion”, que, aliás, é assinada pelo Takenobu Mitsuyoshi, o que mostra que eles não se prenderam somente às músicas assinadas por integrantes atuais da Blind Spot, até porque, não tocar as composições do Hiro só porque ele não está mais na banda seria um pecado.

Na parte de jogos da Sega – ainda bem que conseguiram licenciar as músicas –, a maior surpresa é a “Theme From Super Monaco GP”, não aquele do Ayrton Senna, que é a continuação, mas o original mesmo. Enquanto existe uma versão em estúdio no Super Sonic Team -G.S.M. SEGA 3-, nenhum dos álbuns ao vivo contém a música. Nas mesmas condições, há a “Passing Breeze” do Out Run.

Para completar, o “Thunder Blade Medley”, se seguir a track list daquele show do retorno, é o mesmo que o Koichi Namiki tocou no Galaxy Force II & Thunder Blade Original Sound Track. Tem também a “Outride a Crisis”, do Super Hang-On. Desse jogo, a S.S.T. Band só tinha a “Sprinter”. Agora a Blind Spot incorporou o arranjo fenomenal que o mesmo Namiki havia feito na coletânea de aniversário Super Hang-On 20th Anniversary Collection.

O cenário atual é bastante animador porque temos dois filhotes da S.S.T. Band: além da Blind Spot, não podemos nos esquecer da [H.], que anda meio preguiçosa ultimamente, mas já tem mais de dez anos. Quem diria que, em pleno 2013, com muitos se referindo à Sega como uma empresa morta, teríamos DUAS bandas tocando músicas antigas do imenso legado da empresa?

Grato ao Rafael “S.S.T. Band” Fernandes por transmitir a novidade.

Por Alexei Barros

Dos cinco primeiros jogos da série Final Fantasy, todos, com exceção do FFII, apresentam um enredo que girava em torno dos cristais mágicos que mantinham o equilíbrio do mundo e protegiam o planeta das forças malignas.

Ainda que esses episódios não façam parte do programa do Final Symphony, o cristal está lapidado na forma de um violoncelo na artwork oficial do concerto que acontecerá em maio de 2013, por enquanto com duas apresentações na Alemanha e uma na Inglaterra. A semelhança com a o controle-violino da capa do Symphonic Fantasies e a espada com cabo de violoncelo do Symphonic Odysseys não é coincidência, visto que o artista anônimo da agência schech.net é o mesmo. Só espero que essa arte também esteja no CD desse concerto que terá músicas do FFVI, FFVII e FFX – antes o álbum precisa ser anunciado.